美的觉醒与沉思金沙4166,西方民族音乐学思想发
分类:励志美文

  亲爱的孩子,有人四月十四日听到你在B.B.C[英国广播公司]远东华语节目中讲话,因是辗转传达,内容语焉不详,但知你提到家庭教育、祖国,以及中国音乐问题。我们的音乐不发达的原因,我想过数十年,不得结论。从表面看,似乎很简单:科学不发达是主要因素,没有记谱的方法也是一个大障碍。可是进一步问问为什么我们科学不发达呢?就不容易解答了。早在战国时期,我们就有墨子、公输般等的科学家和工程师,汉代的张衡不仅是个大文豪,也是了不起的天文历算的学者。为何后继无人,一千六百年间,就停滞不前了呢?为何西方从文艺复兴以后反而突飞猛晋呢?希腊的早期科学,七世纪前后的阿拉伯科学,不是也经过长期中断的么?怎么他们的中世纪不曾把科学的根苗完全斩断呢?西方的记谱也只是十世纪以后才开始,而近代的记谱方法更不过是几百年中发展的,为什么我们始终不曾在这方面发展?要说中国人头脑不够抽象,明代的朱载堉(《乐律全书》的作者)偏偏把音乐当作算术一般讨论,不是抽象得很吗?为何没有人以这些抽象的理论付诸实践呢?西洋的复调音乐也近乎数学,为何法兰德斯乐派,意大利乐派,以至巴哈—亨特尔,都会用创作来作实验呢?是不是一个民族的艺术天赋并不在各个艺术部门中平均发展的,希腊人的建筑、雕塑、诗歌、戏剧,在纪元前五世纪时登峰造极,可是以后二千多年间就默默无闻,毫无建树了。文艺复兴时期的意大利艺术也只是昙花一现。右些民族尽管在文学上到过最高峰,在造型艺术和音乐艺术中便相形见继,例如英国,有的民族在文学,音乐上有杰出的成就,但是绘画便赶不上,例如德国。可见无论在同一民族内,一种艺术的盛衰,还是各种不同的艺术在各个不同的民族中的发展,都不容易解释。我们的书法只有两晋、六朝、隋、唐是如日中天,以后从来没有第二个高潮。我们的绘画艺术也始终没有超过宋、元。便是音乐,也只有开元、天宝,唐玄宗的时代盛极一时,可是也只限于“一时”。现在有人企图用社会制度、阶级成分,来说明文艺的兴亡。可是奴隶制度在世界上许多民族都曾经历,为什么独独在埃及和古希腊会有那么灿烂的艺术成就?而同样的奴隶制度,为何埃及和希腊的艺术精神、风格,如此之不同?如果说统治阶级的提倡大有关系,那末英国十八、十九世纪王室的提倡音乐,并不比十五世纪意大利的教皇和诸侯(如梅提契家族)差劲,为何英国自己就产生不了第一流的音乐家呢?再从另一些更具体更小的角度来说,我们的音乐不发达,是否同音乐被戏剧侵占有关呢?我们所有的音乐材料,几乎全部在各种不同的戏剧中。所谓纯粹的音乐,只有一些没有谱的琴曲(琴曲谱只记手法,不记音符,故不能称为真正的乐谱。)其他如笛、箫、二胡、琵琶等等,不是简单之至,便是外来的东西。被戏剧侵占而不得独立的艺术,还有舞蹈。因为我们不像西方人迷信,也不像他们有那么强的宗教情绪,便是敬神的节目也变了职业性的居多,群众自动参加的较少。如果说中国民族根本不大喜欢音乐,那又不合乎事实。我小时在乡,听见舟子,赶水车的,常常哼小调,所谓“山歌”。[古诗中(汉魏)有许多“歌行”,“歌谣”;从白乐天到苏、辛都是高吟低唱的,不仅仅是写在纸上的作品。]

 西方民族音乐学的形成与发展得益于多种社会文化思潮的影响。本文通过对其各个历史时期的追本溯源,上限推前至文艺复兴,下限直追后现代主义,力图以此勾勒出西方民族音乐学思想发展的历史框架。   文艺复兴 启蒙运动 东方主义 比较主义 民族主义 人类学 音乐学 结构主义 后现代主义  80年代后半期,西方民族音乐学界弥漫着一股反思的气氛,美国民族音乐学学者波尔曼(PhilipBohlman,1988)籍此提出了民族音乐学思想史(intellectual history)的概念,致使80年代末、90年代初一批从思想的高度总结民族音乐学历史的著述问世。本文沿着这一思路追本溯源,参照了西方近十年来的有关著述及历史经典文献,力图从西方历史上各种社会文化思潮中把握民族音乐学的历史发展,以求更准确、更全面地认识这一学科的思想与方法论,便于我们参考借鉴。从文艺复兴到东方主义早期的酝酿  本世纪90年代初,美国民族音乐学学者波尔曼在著述中(1991)将西方民族音乐学的思想史追溯到文艺复兴时期,他在法国思想家、散文家蒙田(1533-1592)、德国博物学家基歇尔(Athanasius Kircher,1602-1680)以及法国民族志作家拉菲陶(J. -F.Lafitau)等人的著作中找到了一些有趣的例子。蒙田1580年的文章食人的蛮族部落(见其《散文集》)也许是现代欧洲第一篇民族音乐学的记载,评述了巴西里约热内卢海湾一小岛上美洲土著的音乐,材料来自加尔文派传教士雷维(Jean de Lévy)1578年的记述(当时巴西是法国殖民地)。其中有那个部落的囚犯的反抗歌曲。除了尚武的歌曲外,还有情歌。他们的情歌一点也不野蛮,内容是歌颂醇酒与爱情,颇有点希腊诗歌的味道,令人想起古希腊的阿纳克里翁抒情诗体。蒙田的结论是,食人者的音乐基本上同欧洲人的差不多。同古希腊比较是文艺复兴思想的一大特征。另一大特征是自然科学的精神,可见之于基歇尔的巨著《世界音乐》(Musurgiauniversalis,1650)。该书扉页插图中绘有美洲土著仪式舞的舞蹈者,画在下方风景中,表明音乐同大地、大自然的联系,那是所有人类音乐的起源。这种客观性对身为传教士的基歇尔意味着反对《圣经》中音乐的上帝创造说。基歇尔百科全书式的巨著充满了科学好奇心和神秘性,其目的是汇聚一个音乐活动的世界。他象收集、展览古玩那样展示音乐珍奇。他从不同的角度系统地探索了音和音程结构的本质;分析犹太人的记谱体系以及其他非西方的音乐理论体系;论述音乐在自然中的起源,结合美洲土著及各国的音乐资料。他的巨著中还贯穿着乐器图像、音程表、广泛的记谱、音阶结构的数学图表,表现出以普遍主义概括世界音乐的意图,力图使他文化的音乐为欧洲读者接受。科学观察的精神也见之于拉菲陶的著作《美洲蛮族习俗,原始时代习俗比较》(1724)之中。他在书中比较了南美、北美印地安各部族的乐器,有按结构比较的,也有按仪式功能比较的。作者还认为,这些乐器的合理功能一点不比类似的希腊乐器少。上述早期著作的特点可归结为:以古希腊文化为比较的楷模;以欧洲为中心的文化普遍主义的比较模式,意在缩短两种文化中音乐之间的距离;反对神学,提倡自然科学的客观精神。正如波尔曼所指出的(1991):早期对异国文化行为的描述,某种程度上成了扩展西方殖民者权力的手段,当然,积极的方面是动摇了西方音乐文化的主宰地位,在欧洲的音乐话语中为非欧音乐确立了一席之地,同样也丰富了欧洲的思维。欧洲人对非欧音乐的兴趣来源于早期的航海发现,而研究非欧文化,其理论依据则源自于启蒙运动。启蒙运动的主将之一、百科全书派的领袖卢梭的《音乐辞典》(1768)反映了18世纪的这种时代精神。该辞典系统地使用了非欧音乐的材料,目的是完整地概括音乐的定义。为了让读者能够判断不同民族的不同音乐方言,卢梭在论音乐的条目中展示了非欧音乐的谱例:一首中国曲调,一首波斯曲调,一首加拿大蛮族歌曲以及瑞士放牧调。他由此得出两个结论。首先是音乐物理法则可能存在的普遍性,即用记谱来揭示声学法则所主宰的某些文化之间类似的声音过程,用今天的话来说,就是对乐音进行跨文化的研究。其次,他又指出,音乐对人们的效果并不局限于声音的物理效果,也包括文化含义,即音乐不仅是自然的,也更是文化的,是一种记忆信号,来自于各种文化的习俗和环境所产生的各种联想。他认为音乐的基本事实产生自文化的多样性,其本质不在声音的物理学中,而在声音对人类心灵的最大影响中。可见卢梭更支持文化人文主义的理论。卢梭所谓的音乐现象的二元论,即自然-文化或人性(nature-culture)这种启蒙时代的理性思想一直影响着今天的民族音乐学理论与方法。启蒙运动的18世纪也是一个崇尚经验和客观性的时代,因此田野工作实地观察兴盛起来,出现了许多基于第一手资料的著述,如法国外交官方顿(Charles Fonton)利用自己在中东的经历,写了关于土耳其与欧洲音乐比较的专论(《关于东方音乐,与欧洲音乐之比较》,1751年);英国驻加尔各答的法官琼斯(William Jones)所著《论印度音乐的调式》(1784);长年在北京的法国耶稣会传教士钱德明(J. -M.Amiot)在其《中国音乐古今录》(1779)中提出中国音乐同其他文化的音乐一样复杂,且历史悠久远远超过西方,能产生这样一种音乐的文化是优于欧洲的。启蒙运动对非欧音乐研究最深刻的影响是创造了一个全新的他者(Other)的概念,即非欧世界,有着不同于欧洲的历史与文化。钱德明和琼斯等人通过客观地观察他者的音乐来重新审视欧洲自己的音乐以及二者之间的关系,这样便产生了一种比较研究的方法,预示了下一世纪末比较音乐学的诞生。因此可以说是启蒙运动孕育了这一学科。研究他者,从他者看自己,这便是当时西方的东方主义学术格局。本世纪70年代,美国学者萨依德(Edward Said)在其轰动一时的《东方主义》(1978)一书中提出,西方研究非西方文化,是一种学术扩张,正如18世纪末欧洲的军事扩张一样。当时大肆军事扩张的是英法两国,因而也是它们创立了东方主义的学术。首当其冲的便是中东,一是因为距离欧洲较近,二是欧洲历史上一直将这一地区看作是自己古典文明的起源地。19世纪初,东方主义学术的典范是法国人维奥多(Guillaume Villoteau)在20卷的《埃及描述》中的《音乐卷》(1809)和英国人雷恩(Edward William Lane)的《现代埃及人的风俗习惯之记述》(1836)。维奥多所撰涉及音乐的两卷,即卷一《东方乐器的历史、技术和文献之描述》,是一部详尽广泛的乐器学著述;卷二《埃及音乐艺术现状,对该国音乐的研究观察的历史描述》,涉及埃及音乐的理论问题。他是1798-1801年随拿破仑远征埃及的学者之一,故描述皆以实地观察为依据。著述中除广泛论述阿拉伯的音乐及乐器外,也探讨了埃及少数民族和小宗教的音乐。其缺点是不涉及埃及音乐史、乐器史,而是人云亦云地认为伊斯兰音乐及乐器源于希腊。雷恩也在埃及生活多年,以民族志作者的眼光,描述了埃及人生活中的音乐。较维奥多高明的是,他否定了阿拉伯音乐的希腊起源说,并估计对阿拉伯的影响来自中亚或南亚。随着其他国家加入殖民远征,19世纪中期,东方学的中心逐渐从英法转向中欧的德奥,促发了这两国的Wissenschaft,即科学性的学术。这一时期的学术特点是,基于上一时期大量的文献资料,东方音乐逐渐进入西方音乐史学,即在历史的框架中解释东方音乐,形成一种全球音乐史的格局。首先是基泽维特(R. G.Kiesewetter)的《阿拉伯音乐起源说》(1842),其中也包括了波斯与土耳其。他的方法有两点引人注目之处:1)音乐从简单到复杂的渐进发展是明显的;2)阿拉伯音乐与西方音乐的类似,即可比性,此即比较研究的基础。接着是安布罗斯(A. W.Ambros)五卷的《音乐史》(1862-1878),其中第一卷是专论非西方音乐的,是后四卷欧洲音乐史的前奏或古代部分(欧洲音乐史始于中世纪)。然后是费蒂斯(F. -J. Fetis)五卷的《从古至今的音乐通史》,前三卷是论述非西方音乐或古文明音乐的。他强调各种文化的音乐怎样与众不同,注重各自理论体系的差异,而忽略类似,因而没有编织出一幅统一的历史画面,故更近似于地区研究文集,而非世界音乐通史。这一时期史学一个重要倾向是把非西方音乐作为西方音乐的源头,是欧洲文明的早期形态,这一思想延续至今,近年来被批判为欧洲中心论的表现。而将欧洲文明作为全世界文明的标准,则是下一时期比较音乐学的思想基础。

提起美学的来源,你没法想象,人类的美感起源,来自于史前文明的一块石头。那些在石器时代,被岁月洗礼和打磨的痕迹,成为了美学的开始。

关于文化多样性,中国古代先贤提出了“和而不同”的思想。今天,在尊重文化多样性的基础上推动文化交流互鉴,既是发展本民族文化的内在要求,也是实现世界文化繁荣的必然选择。早在人类文化发展的上古时期,如古代埃及、古代印度、古代希腊与古代中国,文化的发展就不是一个模式,而是形成了多个文化体系,呈现五光十色的多样形态。人类文化发展史表明,一种本土文化、民族文化或地域文化与外来文化进行交流互鉴时,只要坚持科学方法,保持自己文化的特性,就能不断吸收改造外来文化并使其成为自己的一部分。针对19世纪40年代俄罗斯文学界的斯拉夫派与西方派的激烈争论及不同意见,别林斯基既反对斯拉夫派的排外主义、拒绝吸收西欧进步文化的思想,也反对西方派排斥民族文化的主张。

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中国;民族性;民族文化;学习;欧洲;文明;影响;绘画;文化交流;国画

燧石手斧

作者为中国社会科学院荣誉学部委员

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关于文化多样性,中国古代先贤提出了“和而不同”的思想。据史料记载,最早提出这一思想的是西周末期的史伯,他认为“和实生物,同则不继”。此后,中国古代思想家对此持续进行讨论,基本达成共识。这是源远流长的中国哲学中一种具有代表性的辩证智慧。在人类历史长河中,和而不同的多种文化犹如一部波澜壮阔的交响乐,不仅结构庞大、千变万化,而且各个组成部分相互映衬、融汇激荡。今天,在尊重文化多样性的基础上推动文化交流互鉴,既是发展本民族文化的内在要求,也是实现世界文化繁荣的必然选择。

维伦多夫维纳斯

早在人类文化发展的上古时期,如古代埃及、古代印度、古代希腊与古代中国,文化的发展就不是一个模式,而是形成了多个文化体系,呈现五光十色的多样形态。此后,不同文化并不是孤立地、互不联系地发展,而是在相互交流、相互对话、相互学习、相互碰撞中前行,逐渐形成“你中有我、我中有你”的格局。正如习近平同志所指出的,“文明因交流而多彩,文明因互鉴而丰富。文明交流互鉴,是推动人类文明进步和世界和平发展的重要动力。”英国学者罗素认为,不同文明的接触,以往常常成为人类进步的里程碑:希腊学习埃及,罗马学习希腊,阿拉伯学习罗马帝国,中世纪欧洲学习阿拉伯,文艺复兴时期的欧洲又学习东罗马帝国。这里讲的是欧洲文化的发展状况,其实在东亚也是如此:日本明治维新之前,日本学习借鉴中国;明治维新之后,中国通过日本学习世界。中国从印度引入佛教,之后中国佛教影响东亚、东南亚一大片区域。

千百万年来,动物的巢穴并没有发生什么变化,比如 蜜蜂的蜂窝、蚂蚁的蚁穴、小鸟的鸟巢等,但人类不同,从早期出土的《燧石手斧》,我们看到了人类的改变和差别,我们用发展出来的“双手”,按照自己想象中的样子,做出了各种各样的工具,给生活带来便利,而这就是人与动物最大的差别。

人类文化发展史表明,一种本土文化、民族文化或地域文化与外来文化进行交流互鉴时,只要坚持科学方法,保持自己文化的特性,就能不断吸收改造外来文化并使其成为自己的一部分。按照鲁迅观点,中国文化在其悠久的历史进程中,总是“择取中国的遗产,融合新机”,总是“采用外国的良规,加以发挥”。这种处于变化发展中的文化,其民族性往往更为鲜明突出,更符合民族发展的需要。这种文化民族性变化发展的状况体现在文化的各种具体形态上。以中国绘画为例,“六朝以来,就大受印度美术的影响”。中国国画在印度绘画的影响下,内容与形式发生较大变化。在长期发展进程中,中国国画还受到其他民族和国家绘画不同程度的影响。其中,受西方油画的影响要比受印度绘画的影响更大。但是,中国国画的民族特色并没有因此荡然无存,而是在交流互鉴中更好保持了自身的生命力和艺术魅力。再看文学,鲁迅的《狂人日记》,名字来自俄罗斯作家果戈里的同名小说,但内容是中国人的灵魂和精神。世界文学作品中这样的例子也屡见不鲜,如英国诗人拜伦的《曼弗雷德》,显然是由于受到德国文学家歌德《浮士德》影响而作,但作品中并没有一点德国精神,而是洋溢着英国精神。

石头的切割和打磨,开始出现了一些象征人的石头艺术品,当我们在审视这些石器作品的时候,如果能够带着对30万年前人类文明伊始的敬仰和好奇,会给这些石器们带来更多的珍视和爱护。比如 如今收藏在奥地利自然史博物馆的《维伦多夫维纳斯》,它丰满的双乳、圆润的身材,正是象征着女性传宗接代的重要位置,也代表着早期人类对生殖与生命繁衍的祈求和祝福。在这些石器的打磨下,人类最早开始有了雕刻艺术,刻画在石头、墙壁和孕育生命的大地上。会用工具和火的人类,成为了大地上的新主人,他们开始延伸出了艺术,在大地上以巨大的石材,置放成一种有秩序的空间。而在这些远古的石头中,英国维尔特郡的《巨石阵》,尽管许多学者无法判断它的用途,然而它的造型令我们联想到后来的宗教祭祀的殿堂、它们以不可动摇的庄严、崇高、神圣,说明着西方美术里非常重要的一个项目—“建筑”最初的起点。

文化的民族性又和文化的世界性息息相关、相辅相成。从文化发展史来看,民族性和世界性是一对同生共长的属性,呈现对立统一的辩证关系。对此,许多思想家都有过论述。在欧洲,18世纪德国浪漫主义的代表人物赫尔德谈论过二者的关系,19世纪俄罗斯理论家别林斯基对二者的关系也发表过系统意见。针对19世纪40年代俄罗斯文学界的斯拉夫派与西方派的激烈争论及不同意见,别林斯基既反对斯拉夫派的排外主义、拒绝吸收西欧进步文化的思想,也反对西方派排斥民族文化的主张。经过漫长的历史发展,人类社会形成多种多样的文化。这些文化既是不同民族创造的文化成果,又是人类文明的共同成果。推动不同文化交流互鉴,无疑可以让各国人民享受到更为丰富多彩的精神生活。

而在这零散、破碎,有感而发的早期人类文明中,渐渐地,在世界范围内,美术以它独特的存在,充当帮助人们表达情感、信仰和交流的媒介。而在古文明中,古埃及,成为了人类美术中最早形成“风格”的文明之一。那么什么是“风格”昵?在美术的领域里,找到一种准确而且可以长时间持续一致地表达的方法,这就形成了一种“风格”。

(作者为中国社会科学院荣誉学部委员)

埃及早期的王朝里,石灰石雕的《蛇王碑》以鹰来表达王室的保护神,而蛇则代表着王朝的王国,以此来象征有神鹰保佑的国王,是可以安稳坐在王位上的,图中造型的简化,已经具备有象形文字的雏形,而运用的几何图形,也已经有了后来埃及文明的一些固定元素。埃及的金字塔、容器上的雕刻和绘画,都是以一种严密有秩序的几何图形构建而成,因为,成为了埃及文明中,最有代表性、可识别的风格特征之一。

古希腊横亘于爱琴海南域的克里特岛,形成了颇为成熟的“米诺斯文化”,而北方则形成了“迈锡尼文化”,由于希腊社会的开明与民主,使得早期的人体美学,从这里滋生出了璀璨的一章。不同于埃及文明的庄严与严谨,希腊美学史,更为轻松、自由和开放。这一时期,希腊的人体美学达到了一个新的高度,希腊人凝视一尊人体,没有政治、社会、道德、伦理的影响,而是单纯的一种凝视,身体迸发的热情、力量,都是最最原始而自由的状态呈现,比如《宙斯》、《掷铁饼者》、《命运三女神》和《胜利女神》等等作品。

而罗马艺术经常与希腊艺术混为一谈,罗马帝国在征服希腊后,以地中海为中心,受到了希腊文明在神话、建筑、哲学上的影响,然而他辽阔的地域和各种混合的文明,创造了更为广阔的文明风格。其中来源于意大利北部的伊特鲁里亚文明的彩绘艺术,与希腊文明重视人的崇高理想不同,伊特鲁里亚地区却更热烈表达生活的美好富裕。《吹笛与持竖琴的男子》和《舞蹈者》都用了浓郁鲜亮的色彩,来表达对生活的喜悦和兴奋之意。而罗马的写实精神,表现在雕刻和建筑上,在罗马文明的血性基础上,力量、野性、追求实际的精神,创作出了一大批罗马雕塑,比如《罗马人像》等。而建筑上的表现,由于受到城市规划和公共性建筑艺术的影响,象征中心、力量和权威的纪念柱、罗马竞技场、君士坦丁凯旋门等等建筑,真实反应了当时罗马帝国对力量、野性、实事求是的追求。

而与此同时,基督教的兴起,形成了具有代表性的拜占庭艺术、中世纪艺术和哥德式艺术。早期的拜占庭艺术,是在西罗马帝国灭亡后,以君士坦丁堡为首都的东罗马帝国,史称拜占庭帝国,基督教取代了希腊的多神教,成为国教。不同于希腊艺术重视展示人体之美,在初期借鉴了古希腊艺术后,基督教由于不重视肉体的存在,强调禁欲、鄙弃感官。“圣像”的形成,成为了拜占庭文明的主体,它存在的目的,不在于引发人们视觉上的美感,而是在于唤起信徒心中对圣徒们的记忆,记住他们说过的话,做过的事。而接下来长达一千年的中世界时期,一座座教堂被建造了起来,这些教堂以“拱”的概念一层层往上堆叠形成不同结构向上的小穹顶,并开始发展出向上矗立的尖顶,代表着俗世对天国的向往和追求。而在这些教堂里,为了传播宗教文化,也形成了浮雕艺术。12世纪以后,随着基督教信仰不断追求攀升的精神升华,教堂形式从罗马式向上发展的尖顶,逐渐形成了穹顶和塔楼。哥特式建筑的出现,竞相以向上发展的结构,形成了欧洲广大地区大教堂的特色,尖拱、交叉肋拱、飞扶拱是哥特式建筑的三个典型特征。而教堂上,门窗的彩绘玻璃设计,增加了宗教的艺术感和神秘感,从外部望去,形成了不同的基督教《圣经》的故事和圣人人像。

文艺复兴全盛时代,出现了各式各样的文明,威尼斯画派、北方文艺复兴、矫饰主义、巴洛克运动和洛可可艺术。在全盛时代,人们安定乐足的生活,肉身开始觉醒,肯定了世俗繁华与感官快乐,融入基督教性灵生活,开始了追求精神的生活。

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维纳斯的诞生

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蒙娜丽莎的微笑

在这一时期,百来年间,欧洲涌现出了大量的人物,比如 达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔等,这100年,被称为“文艺复兴”,沉睡已久的人文精神重新觉醒了,冬天已过,春天再度来临,喜悦光明重临人间。作品《维纳斯的诞生》和《春》如今收藏在弗罗伦萨乌菲齐美术馆,它们都以细腻的笔触勾勒出鲜花的盛开,画面洋溢着新时代的喜悦之情。达芬奇是这一时期的典型天才,他精通多个领域、以理性的科学思维观察万物,打破了神学的权威,揭发了隐藏在神学背后知识具体的力量,《最后的晚餐》达芬奇以科学的透视构图,去架构哲学上“死亡”这一神秘主题,然而他没有试图解答死亡,而是让我们看见了在死亡面前不同程度的领域。《蒙娜丽莎的微笑》以迷离的光晕,画中微笑的人,在一片迷雾中,仿佛心中藏着什么不可诉说的秘密,迷蒙一般的人物形象,超越了性别、年龄、和人世间的贵贱美丑,变成了生命永恒的一种存在形式。米开朗基罗的《大卫》雕刻作品,放弃了繁琐的细节以英姿的神态,塑造青年不可一世的胆识与体魄。并受命在梵蒂冈为教皇尤利乌斯二世绘画西斯廷礼拜堂的天顶壁画,以《旧约创世记》里的故事,创作了9幅气魄恢弘的壁画,探讨日月星辰的出现、水与陆地的混沌未开、探讨第一个男子亚当的诞生、夏娃的偷吃禁果、神的愤怒……

而威尼斯画派比意大利更多了一些幻想、一点感性的神秘和浪漫、一点现世欲望逸乐的流荡、一点色彩的炫耀,更直白了表达了对肉体感官之美的解放,对生活各种欲望的追求。

而北方的文艺复兴则相当不同,北方泛指当时欧洲文化中心意大利以北的地区,包括了日耳曼地区,比利时、荷兰等尼德兰地区,也包括法国的一部分,这些地方,依旧延续着中世纪的传统,社会上并没有明显的商人阶级出现,宗教的权威与神秘主义仍旧占主导地位。画家凡爱克就是其中最具有代表性的一位,不同于意大利的文艺复兴,以水性颜料为主的湿壁画和以蛋为媒介的蛋彩画,北方开始了以油为原料,成为欧洲近五百年来绘画的主流。并大量创作了以平民百姓为主题的画作,因为长期以来,创作的题材通常是以宗教人物为主题。

矫饰主义不满足于文艺复兴太过均衡、和谐的古典风格,追求更多肢体动作上的变化,夸大情绪的反应,使人的身体产生更多的律动感、也产生更多的表情。其中以西班牙画派的格列柯和罗马的卡拉瓦乔为代表人物。格列柯打破了宗教画作的讲究对称性,采用对角倾斜斜构图,表达了自我的独白:焦虑、恐慌和人性的种种折磨与祈求自我救赎。卡拉瓦乔作为美学的叛逆者,他一直流浪在社会底层,看到人性的种种丑陋,开始思考“人”到底是什么。他既迷恋青春,又看到了腐败,眷念物质,又看到了人性的贪婪,眷念美、却又揭发了丑陋,渴望新生、却见到了死亡。如果众人都认为自己是成功、英俊、智慧、正义的大卫,那么谁是那失败、丑陋、被众人侮辱与唾弃的巨怪“歌利亚”?而卡拉瓦乔把自己画成了歌利亚,这是西方美术史上第一张以叛逆者姿态出现的自画像。他为西方近代艺术走向自我解剖、自我揭发、自我救赎,找到了新的起点,令人震撼不已。

“巴洛克”喜好繁复精美的装饰、金色的华丽、追求律动又善于营造堆砌之美。随着时代的发展,旧的宗教势力要与反宗教改革派的冲突与交替,在欧洲大陆上产生了各种各样的巴洛克形式。意大利的巴洛克风格,圣伊夫教堂的多种装饰,使得人们转移了注意力,人的视觉也随着空间的不断转换被更新,仿佛高潮迭起,体验着连续不断的惊讶与欣喜。西班牙的巴洛克在于体现宫廷的繁复精美,由于当时西班牙因为航海事业的发达,皇室的人物们需要某种艺术为他们描绘“君权神授”的至高无上形象。

新古典主义、浪漫主义的风潮、写实主义的兴起、告别古典,印象派和后期印象派,以及20世纪后的美学历程,随着时代的发展,文明的更深入融合,这一时期的美学历史,呈现出了更加丰富复杂的层面。

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埃斯塔克的房子

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无尽之柱

新古典主义,人们开始注重历史和古代,重新回到古典艺术的探究,新古典主义,已经不等于古典,他们是重新把古典元素拿到当代来用,赋予这些元素新的时代意义。而建筑是新古典主义最早觉醒的一环。建筑设计者发现“单纯”是“柱子”的美学力量,他们以独立自主的柱子来歌颂人的自我觉醒,这一时期,法国卢浮宫就是很典型的新古典时期的产物。

浪漫主义的浪潮,摒弃了古典形式的稳定,教条式的理性,浪漫主义相信真诚的内在激情可以激发人类的创造力的最大潜能,也可以激发人类最高贵的情操。浪漫主义是西方寻找个人价值的关键,一切以热爱自己的生命的方式来完成自我的精神情操。在这一时期,美学不在局限于建筑或者绘画,而是开始了更加丰富复杂的形式,比如文学上、诗歌和戏剧上的成就一起来探。这是西方美学上最大的一次思想狂潮,比如音乐上的天才贝多芬、文学上雪莱等人等,所有的这些美学艺术,都离不开以神话、基督教叙述故事的传统,而工业革命的到来,使浪漫主义的狂潮平静了下来,回到了土地上,开始重新思考美学的去向。

写实主义是文学上开始对抗浮滥的浪漫主义而兴起的一种美学,这一时期的创作,开始又回归到了自己的生活现实中,重新认识自己最应该熟悉也可能陌生的土地和人民。柯罗的人物像,自然的法国乡村景观、生活中的小人物们,都成为了创作的题材。阶级批判意识的兴起,涌现了一批杰出的艺术家,以米勒为代表的批判阶级意识的写实主义,讽刺了工业时代,贫富差距拉大,各种各样的社会政治问题。美学回归了现实,是对过去新古典主义和浪漫主义的补充和延伸。

告别古典,历史在多重的矛盾中向前行进,与非洲文明、亚洲文明、美洲文明的接触,使得西方的艺术形式开始拜托了长期以来主宰西方美学的古典符号,他们开始以自己的语言书写自己的时代,这一时期的大部分人生活在城市,他们生活在现代社会,没有了历史的包袱和沉重的历史使命,只书写愉悦的心情,描绘那些跳动在树叶、水面上的光。“印象派”是西方古典美术的终结者。

印象派成为了西方美术史通往现代的起点,也是和漫长的西方古典美术做的正式告别。

工业革命带来了对科学的崇信,人类对自然有了审视的底气和审美的机能,印象派意识到色彩因为光而产生,对光的研究和表现特别注重。印象派的创始人是马奈,最体现印象主义理念和技法的是莫奈。印象派又分为重光和色彩与重塑型和素描两种类型。雷诺的《煎饼磨坊的舞会》,利用光影来表达舞会的热闹与欢乐气氛。后印象派则以塞尚、梵高和高更为代表,塞尚追求几何性的形体结构,莫奈注重光与色,代表处《日出·印象》,梵高则以《星空》等在死后名声大噪。

二十世纪后,人类文明开始前所未有的强大,科技的发达,互联网的普及,使得人类进入了新的阶段,面临强大后带来的问题,生存还是毁灭,成为了全人类的问题。艺术不再局限于绘画、雕塑,而有了更加多样的形式,比如电影、互联网等等创作形式。

金沙4166,新的艺术形式,比如毕加索的抽象主义,康定斯基的野兽派、人体行为艺术等等,20世纪后,艺术创作越来越难以定义,也越来越多样化,与思想的结合,使得美学变得更加丰富和复杂,当代世界的各种艺术潮流,一切都在进行中,而我们也身在其中,与之前行,去探究更宽广的人文世界。

一部西方美术史,探讨了美学的形成与发展,以及在各项矛盾中前行发生的冲突与融合,带着这些美学的简史和故事,重新审视欧洲这块大陆,对于美学的理解,将更加不一样。

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